1. INTRODUCCIÓN
Tomando como punto de partida a los últimos
sesenta años del siglo XV que enmarcaron el nacimiento y desarrollo de la
tipografía, las secuelas de las iniciativas y experimentaciones gráficas surgen
en el siglo XVI con la energía creadora con que se dieron origen a innovadores
diseños de tipos, normas de composición, ilustraciones y encuadernaciones,
conjuntamente con representantes de gran prestigio.
En el presente trabajo se analizarán los
principales acontecimientos que enmarcaron a los siglos de transición y
normalización (siglos XVI al XIX). En lo que refiere a la historia del diseño
gráfico, cabe destacar la influencia que tuvieron hechos como la Revolución
Francesa y la Revolución Industrial, para el desarrollo del comercio y de la
actividad publicitaria.
Además, es importante tomar en cuenta que
muchos aspectos políticos, sociales y religiosos de cada época, han influido en
la evolución o retroceso en lo que concierne a los trabajos impresos, desde la
creación de los tipos de letras, el trabajo tipográfico, hasta la aparición de
los libros, periódicos, enciclopedias y carteles que se tratarán a
continuación.
2. ASPECTOS IMPORTANTES ACONTECIDOS EN EL
SIGLO XVI
Uno de los factores históricos
determinantes fue el proceso de involución política que culminó en 1543, con la
instauración de la censura de imprenta, la cual acabó con la dinámica creativa
y liberal que caracterizó la producción de impresos durante el medio siglo
anterior.
Sin embargo, uno de los avances más
importantes fue el renacimiento de la caligrafía, que se produce en medio de un
absolutismo monárquico encabezado por Francia y España, que establecieron una
burocracia que favoreció el progreso de la caligrafía al tiempo que la
imprenta, en poder de la Iglesia y el Gobierno, fue perdiendo su sentido de
vanguardia y se convirtió en una actividad conservadora al servicio de las
fuerzas políticas y religiosas totalitarias.
Así, durante muchos años las legibles y
armoniosas caligrafías Italianas fueron imitadas en todos los Estados poderosos
de Europa, por este motivo la lengua italiana adquirió gran valor en el siglo
XVI y fue divulgada por sus representantes con propósitos didácticos a través
de sus tratados y manuales.
Cabe destacar la trilogía de maestros
italianos conformada por Ludovico Degli Arrighi, Giovanni Antonio Tagliente y
el calígrafo de calígrafos Giovanni Baptista Palatino, quien en 1540 aporta una
novedad didáctica en la práctica caligráfica al tratar de instruir
alternativamente por medio de textos y grabados.
Debido a las condiciones políticas y
económicas de la época, en el campo tipográfico el diseño de tipos se considera
sólo por su función como elemento del proceso de impresión y su mayor exponente
fue el francés Claude Garamond, quien tuvo que vivir entre la subversión y el
favoritismo, siendo cauteloso al realizar sus estudios, ya que en la época los
que practicaban esta labor eran perseguidos por motivos políticos o religiosos.
"La calidad de los diseños del tipo,
armonía entre mayúsculas, minúsculas y cursivas, y el preciso y contenido
sentido ornamental presente en algunos trazos hacen de la celebérrima Garamond,
fundida en 1545, el más perfeccionado de toda la tipografía romana…"
En el mismo orden de ideas, Jhon
Baskerville fue el impulsor de la tipografía inglesa y diseñó un tipo genuino
en 1754 (Baskerville), la cual posee notable claridad y elegancia. Los aportes
de Baskerville fueron muy innovadores y eficaces, entre ellos: el uso del papel
satinado para facilitar una impresión nítida y brillante y la variante del uso
a voluntad de la interlínea o espaciado entre líneas de texto impreso.
Por la gran producción de libros en este
siglo, la decadencia del impulso creativo se acentúa, se degrada el grabado
xilográfico al extremo que los artistas rehuyen sus colaboraciones con este
procedimiento y entonces se introduce un procedimiento nuevo: el grabado
calcográfico (sobre plancha de metal) que permite grabar el trazo directamente.
3. EL SIGLO XVII
En este siglo se dio un estilo homogéneo o
académico a toda manifestación artística o artesanal, y a su vez se comenzó a
utilizar una nomenclatura metafórica que permitió que la arquitectura fuese
desplazada por la tipografía. En este sentido, el arquitecto Peter Behrens hizo
referencia a que el tipo (la letra) era uno de los más elocuentes medios de
expresión de la época o estilo, y que próximo a la arquitectura, este
proporciona el más severo testimonio del nivel intelectual de una nación.
La caligrafía comenzó a decaer y terminó
convirtiéndose en un estilo ornamental, sin embargo es importante resaltar que
esta desviación de la caligrafía logró aportar un conjunto visual que
constituyó un recurso gráfico que la futura imagen publicitaria incorporó a su
repertorio lingüístico.
"En la evolución de las etiquetas de productos
comerciales el texto, el ornamento y la ilustración son componentes que van
apareciendo sucesivamente por orden, en un momento histórico en el que la
imagen empieza a valorarse como complemento del texto y no, como hasta
entonces, como único elemento susceptible de ser leído por el público."
A pesar de que todavía el mensaje
publicitario era reducido a sectores sociales privilegiados, este propone algo
más que el reconocimiento del producto añadiendo un nuevo valor: la imagen de
identidad.
4. SIGLO XVIII, EL SIGLO DE LA RAZÓN
La lectura se hace una necesidad para las
clases superiores y por esta razón crece la demanda en el negocio de la venta
de libros. Sin embargo, la gran invención de esta época fueron los Periódicos,
los cuales se difundieron desde principios del siglo.
Debido al auge económico, en 1730 aparece
en Londres el primer diario comercial dedicado a la publicación de anuncios de
ofertas y demandas. Además, los comerciantes londinenses se encargaron de
introducir un tipo de tarjeta comercial, que por su gran formato, parece fueron
utilizadas como cartas comerciales y facturas.
Cabe destacar que el rentable criterio de
asentar la publicidad por medio de la repetición se pone de manifiesto en los
impresos que reproducen en su mayoría los rótulos de los establecimientos,
acompañados de una completa argumentación publicitaria. También, se debe tomar
en cuenta, que los sectores comerciales, como la del libro, se encargaron de
introducir la práctica del Cartel mural en formatos pequeños ilustrados con
xilografías.
En 1762 las autoridades francesas prohíben
las enseñas colgantes, lo cual contribuyó a la modernización de la señalización
comercial, ya que tuvieron que adaptarlas en su tamaño o formato a las
necesidades de la época, debido a que estas eran muy rudimentarias.
En este siglo se implantan las Escuelas
Técnicas o de artes Aplicadas para la formación de especialistas,
fundamentalmente en diseño textil y artes gráficas, así mismo se sitúa a la
imagen en un contexto más preciso y menos trivial, utilizándola como
complemento del texto y completar con ella el concepto utilitario y didáctico,
se crea de esta manera la Enciclopedia.
En el aspecto tipográfico se crean
diversidad de tipos, destacándose el llamado Bodoni, un tipo de la familia de
las romanas diseñada por Giambaptista Bodoni en 1768, igualmente es interesante
la creación del alfabeto arquitectónico de Steingrüber, la cual es una extraña
serie de letras ornamentadas en las que se conserva la forma exterior de la
letra y representa en cada una de ellas la planta de un edificio.
El hecho histórico de mayor importancia del
siglo XVIII fue la Revolución Francesa de 1789, la cual establece una sociedad
igualitaria que proclama libertad de prensa, la cual convierte a los diarios y
periódicos en productos de consumo masivo de la sociedad.
La practica de la propaganda política
introdujo a su vez a la caricatura y la sátira como nuevo elemento gráfico
desde 1789, esta se utilizó como una forma de lucha contra las ideas y formas
despóticas de poder, disminuyendo su fuerza a través de la ridiculización, de
esta manera la caricatura suaviza o acusa el perfil crítico sin perder su
contenido original, sea este de orden político, social o religioso.
5. LONDRES Y PARÍS, CAPITALES DEL DISEÑO
GRÁFICO COMERCIAL DEL SIGLO XIX
En 1814 se inaugura oficialmente la era de
la mecanización de la industria de la impresión incorporando la máquina
semiautomática proyectada por el alemán Friedrich Köenig, posteriormente surge
la linotipia.
El uso de este nuevo proceso condujo a un
cambio conceptual notable, ya que la sustitución de las arcaicas prensas
permitió la ampliación de los formatos de papel a imprimir, con lo cual los
papeles y las letras pudieron superar los límites de los anteriores pequeños y
estrechos formatos.
En este siglo se crean las tipologías
Finas, Negras y Supernegras (según el grueso del palo), y las Estrechas o
chupadas y Anchas (según el ojo de la letra), así mismo se distinguen tres
familias genuinas: las Egipcias, las Antiguas, grotescas o góticas y la
escritura Inglesa.
Otro acontecimiento relevante fue la
Revolución Industrial, la cual impulsó el desarrollo del comercio. En lo que
compete directamente al diseño gráfico, Rowland Hill crea el sello de correos,
se asume la técnica del grabado calcográfico como unidad estilística propia y
aparece el billete con el uso del papel moneda. La publicidad directa empieza a
perfilarse como estrategia e instrumento propagador y embellecedor, así surge
otro elemento innovador: el uso de la figura femenina como elemento simbólico
de atracción.
6. LA INDUSTRIALIZACIÓN DE LAS ARTES
GRÁFICAS. SIGLO XX
El desarrollo de la nueva tecnología de
composición y prensa en las últimas décadas del siglo XIX, luego de muchos años
de impresión manual, produjo muchos cambios importantes en los esquemas de
trabajo dentro de las artes gráficas debido a la Automatización y a la
Especialización. Aparecieron especialistas en cada fase del proceso, reduciendo
las funciones de los tipógrafos, así comenzaron a surgir diseñadores de tipos,
fundidores, compositores, fabricantes de papel, encuadernadores, editores,
impresores, etc.
La tecnología pasó de lo manual a lo
mecánico y a lo automático, y de un mercado limitado a uno masivo. Creció la
demanda del material impreso y el desarrollo de la publicidad fomentó el
crecimiento de las ventas de diarios y revistas, recuperando a su vez el uso
del Cartel Publicitario.
Una nueva generación de diseñadores surge
en el siglo XX rechazando el gusto por los estilos históricos (neoclasicismo,
neogótico, etc.) dando como resultado un nuevo arte: Art Nouveau o Modernismo,
el cual incluía ideas procedentes de todas las disciplinas del diseño y el arte
(arquitectura, pintura, diseño de muebles, cerámicas, joyería, diseño
industrial, ingeniería de la construcción, cine, fotografía, etc.), acelerando
la evolución en el arte de vanguardia y en el diseño, el Art Nouveau creó al
diseño gráfico como oposición al puramente tipográfico, no solo como un medio
de comunicación de ideas nuevas, sino también para su expresión.
La tecnología proporcionó nuevos medios
gráficos a ilustradores y diseñadores, afianzando al Modernismo como el estilo
dominante del siglo XX. Cabe destacar que las grandes invenciones que se
produjeron entre 1850 y 1910 ayudaron a difundir las comunicaciones visuales y
a inspirar a los diseñadores, entre ellas tenemos: la máquina de escribir, el
clisé pluma, la trama, el proceso de impresión en color, la fotografía en
color, la composición automática, la instantánea, la fotografía de rayos X, la película
de animación, las diapositivas de linterna mágica, entre otros.
Entre las influencias del estilo modernista
en el diseño gráfico podemos resaltar que el estilo radical, anarquista,
nihilista de Dada y los experimentos tipográficos de cubistas y futuristas
funcionaron como una línea divisoria. Es así como se desecharon los estilos
tradicionales de tipografía y layout, dando paso a la evolución de un estilo
alternativo y adecuadamente moderno de layout con nuevas tipografías mecánicas.
Los principios inspirados por la revolución
que produjo en la industria, la arquitectura y la construcción, la nueva
maquinaria industrial, el automóvil, el rascacielos, la Torre Eiffel, los
gigantescos edificios, las fabricas y los ferrocarriles, dieron paso a la
construcción modular en cuadrícula de los edificios de estructura de acero, la
cual se convirtió en una metáfora para la construcción de la página y en una
herramienta fundamental del diseño gráfico, estos principios arquitectónicos se
aplicaron directamente a las artes gráficas en las estructuras básicas dentro
de las cuales se desarrollaron los estilos asimétricos y no tradicionales del
modernismo.
7. ACOGIDA DE LA BAUHAUS
Itten, Klee y Kandinsky buscaban el origen
del lenguaje visual en geometrías básicas, colores puros y en la abstracción,
constituyendo un análisis de formas, colores y materiales. Para ellos servían
como una escritura con la que podría analizarse y representarse la prehistoria
visible, por ello la Bauhaus se caracterizó por la conciencia de su separación
de la historia y su anhelo por encontrar un punto de origen.
"En 1923 Kandinsky proclamó que hay
una correspondencia universal entre las tres formas básicas y los tres colores
primarios."
Al asimilar sus métodos en la educación moderna
del diseño la Bauhaus se convirtió en un punto de origen, resaltando las formas
geométricas, el espacio reticulado y el uso racionalista de la tipografía. El
potencial lingüístico de la teoría de la Bauhaus fue ignorado y el proyecto de
un lenguaje visual se interpretó aislado del lenguaje verbal.
La Bauhaus fue un lugar en el cual se
unieron diversas corrientes vanguardistas que se dedicaron a la producción de
la tipografía, publicidad, productos, pinturas y arquitectura. Las actividades
de la escuela recibieron amplia publicidad en los Estados Unidos a finales de
los años treinta cuando muchos de sus miembros emigraron a este país, así la
Bauhaus fue equiparada al pensamiento avanzado del diseño.
La forma visual se consideró como una
escritura universal que hablaba directamente con la mecánica del ojo al
cerebro. En el mismo orden de ideas, la palabra Gráfico se utilizó para
referirse tanto a la escritura como al dibujo, y su trazado se percibe como una
Gestalt: una forma o imagen simple.
El "Libro de Apuntes Pedagógico"
de Paul Klee,y "Punto y línea sobre el plano" de Wassily Kandinsky,
fueron publicados por la Bauhaus y sirvieron de introducción a la gramática de
la escritura visual. Giorgy Kepes y Laszlo Moholy-Nagy, utilizaron la psicología
de la Gestalt para aportar una racionalidad científica al lenguaje de la
visión, la psicología de la Gestalt ha sido desde entonces una fuente teórica
dominante en la enseñanza básica del diseño.
El primer profesor del Curso Básico en la
Bauhaus fue Johannes Itten, cuyo misticismo y excentricidad disonaban de los
planes prácticos de Walter Gropius (arquitecto fundador de la Bauhaus en 1919)
para la escuela, luego de la dimisión de Itten en 1923, Kandinsky dio clases
sobre color y los elementos básicos de la forma, y Klee dio lecciones en la
clase de formas básicas.
En los libros de texto básicos de Klee y
Kandinsky, el gráfico es un modelo de expresión pictórica y sus manuales de
diseño describen a la línea como un solo punto arrastrado a través de una
página. De igual manera, Kandinsky utiliza el término Traslación, aludiendo al
acto de trazar correspondencias entre marcas gráficas lineales y una serie de
experiencias no gráficas como el color, la música, la intuición o la percepción
visual.
La serie representa el intento de Kandinsky
de probar una correlación universal entre el color y la geometría, y se ha
convertido en uno de los íconos más famosos de la Bauhaus, aunque hoy en día
pocos diseñadores aceptan la validez universal de la serie, ésta sigue siendo
la base de numerosos libros de texto de diseño básico.
En 1923, Kandinsky hizo circular un
cuestionario por la Bauhaus pidiendo a cada participante que asociase
intuitivamente con los tres colores primarios, tratando de dar validez mediante
el test psicológico a la serie, ya que ésta encarna la teoría del lenguaje
visual como sistema de oposiciones perceptivas, por la cual se logra una
comunicación directa con los mecanismos del ojo y el cerebro.
La forma estructural que invadió el arte y
el diseño de la Bauhaus fue la Retícula, la cual articula el espacio según un
tramado de oposiciones: vertical y horizontal, arriba y abajo, ortogonal y
diagonal, e izquierda y derecha. Otra oposición implicada en la retícula está
entre la continuidad y la discontinuidad.
En 1928 se dieron una serie de conferencias
en la Bauhaus sobre la psicología de la Gestalt, la cual es fundamental para la
teoría moderna del diseño y promovió una ideología de la visión como facultad
autónoma y racional, mostrando los modos en que una figura emerge sobre un
fondo neutro que se le subordina como condición necesaria pero invisible de la
percepción.
8. MOVIMIENTO MODERNO Y NEOMODERNO
La pedagogía del diseño Moderno es la
disposición repetitiva de una colección de signos según determinadas reglas de
combinación. La tarea predominante de la teoría moderna del diseño ha sido
organizar los elementos geométricos y tipográficos en relación con oposiciones
formales tales como ortogonal / diagonal, estático / dinámico, figura / fondo,
lineal / plano o regular / irregular.
Suiza fue el centro ideológico de la teoría
moderna del diseño en los años cincuenta y sesenta, donde la intuición se
convirtió en un elemento clave en ecuaciones racionalistas, donde se aplicaban
afirmaciones como: Entre más exactos y completos son los criterios, tanto más
creativa es la obra.
En los comienzos de los años setenta, la
unión entre el sistema racional y la elección intuitiva se convirtió en la
preocupación central para algunos diseñadores que laboraban en el idioma
moderno, por ese motivo se pensó en las alternativas que ofrecía el proyecto
Neomoderno de personalizar los lenguajes modernos, aparte de retorno al ideal
de una comunicación universal libre de valores.
Los limitados vocabularios formales del
contructivismo fueron intentos para lograr un orden lingüístico, cultural o
psicológico que regulara el acto creativo individual, más que personalizar lo
moderno, lo neomoderno trató de priorizar el poder y la capacidad penetrante de
los lenguajes que utilizamos.
9. EL NACIMIENTO DE WEIMAR
Ante la derrota en la Primera Guerra
Mundial, el Kaiser abdicó y se formó una república con la capital en Weimar, la
cual tuvo que negociar la paz con sus enemigos de fuera y de dentro. Los
alemanes que estaban en los campos de batalla confiados en su superioridad
moral, volvieron de ellos vencidos y traicionados.
Los cuarenta y siete años que siguieron la
unificación de la nación alemana presenciaron su desarrollo hasta que se
convirtió en la nación más industrializada y militarizada de Europa. Con la
rapidez de su urbanización e industrialización las artes prosperaban en
Alemania, Diaghilev, cuyas producciones toparon con la animosidad de otras
capitales europeas fue bienvenido en Berlin.
"Escribiendo que después de años como
soldado en el frente estaba dispuesto a reempezar la vida, Walter Gropius
manifestó su deseo de dirigir la escuela de Artes y Oficios de Weimar."
En el caos del mundo alemán había la
esperanza de que pudiera crearse un nuevo orden por medio de un arte nuevo.
Gropius llamó a la unificación de las artes, pero la ausencia de una república
alemana convincente condujo a momentos utópicos como la Bauhaus y a la
devastación infligida por los nazis.
10. EL TIPO UNIVERSAL DE HERBERT BAYER
Con la derrota del imperio alemán la
legitimidad de la cultura del siglo XIX parecía en decadencia, muchos alemanes
sintieron que debían empezar de nuevo. Diseñadores como los asociados en la
Bauhaus impulsaron un nuevo modo de pensar sobre la visión y la función del
entorno visual.
Para ellos el diseño no debía seguir
utilizándose para reflejar y reforzar una sociedad jerárquica, muchos miembros
de la Bauhaus creían que el futuro dependía de unas leyes universales de la
razón que no estaban vinculadas a las limitaciones de la cultura tradicional.
Herbert Bayer fue estudiante de la Bauhaus,
y Gropius lo invitó a dirigir el taller de tipografía e imprenta. Bayer
desempeño un buen papel en el desarrollo de una nueva tipografía que utilizaba
tipos de palo seco, filetes gruesos y retículas sistematizadas para conseguir
composiciones limpias y lógicas.
Las consideraciones de estilo y expresión
fueron subordinadas a la pureza de la geometría y las exigencias de la
funcionalidad, este método condujo a Bayer a diseñar una tipografía con formas
de letras tan esenciales que se entendieran como universales. El tipo Universal
diseñado por Bayer en 1925, representa una reducción de las formas de letras
romanas a simples formas geométricas. Este tipo de letra abarcó a la industria
y a la tecnología y se adaptó a las técnicas de reproducción en masa y métodos
racionalizados.
11. PRINCIPALES REPRESENTANTES DEL DISEÑO
A lo largo de la historia gran diversidad
de movimientos artísticos se han visto representados por importantes
diseñadores, entre ellos Aubrey V. Beardsley, quien destaca como dibujante y es
llamado "el discípulo del diablo". Beardsley fue gran opositor de las
ideas de William Morris y se caracterizó por su gusto por reflejar el arte
decadentista de fines del siglo XIX, influido por el arte oriental utilizó
ornamentos con este estilo y se observa también en sus diseños el predominio de
los espacios en blanco, brilló en la ilustración de libros como
"Salomé" de Oscar Wilde (1894).
Otros representantes destacados fueron el
notable arquitecto ingles de la segunda mitad del siglo XVII, Christopher Wren
y el acuarelista y pintor Walter Crane, precursor del renacimiento de las artes
(Modernismo) y del Art and Craft. Crane ilustró libros de cuentos infantiles
como El Grimm, Robin Hood y Don Quijote.
Cabe destacar que el Modernismo se
caracterizó por el uso de formas geométricas, simples y sin ornamentos, aunadas
a una tipografía igualmente sencilla. Y el Art and Craft se refiere al grupo de
artesanos, artistas, diseñadores y arquitectos que se propusieron levantar el
estado de las artes aplicadas, al de las bellas artes. Principalmente inspirado
por William Morris, otros artistas importantes en el movimiento fueron Henry
Holiday, Walter Crane, el arquitecto y diseñador Philip Webb, Alejandro Fisher
y Christopher Whall.
Uno de los más notables precursores del
racionalismo fue el arquitecto británico Charles R. Mackintosh, quien se
destacó por sus construcciones geométricas. Se caracterizó por su dedicación en
la elaboración de carteles, muebles y objetos ornamentales, y por la búsqueda
de la estilización de las formas rectangulares combinadas con suaves curvas.
Otro importante representante fue Arthur H.
Mackmurdo, quien estudió arquitectura bajo la tutela de James Brooks y asistió
a clases de dibujo por John Ruskin. Su admiración por el Renacimiento lo llevó
a creer en la unidad de las artes, y en 1882 junto con su estudiante Herbert P.
Horne, y el artista Image de Selwyn, Mackmurdo fundó el Gremio del Siglo, el
periódico del Gremio: "El Caballo de la Afición", fue diseñado
inicialmente por Mackmurdo.
El británico William Nicholson fue pintor,
impresor y diseñador de teatro. Empezó su carrera profesional como diseñador de
carteles y como ilustrador de libros, donde los contrastes llamativos de negro
y blanco de su técnica del woodcutting fue acostumbrado a gran efecto.
En 1894, Nicholson empezó colaborando en
planes del cartel con sus cuñado James Pryde y los dos se dieron a conocer como
los Hermanos de Beggerstaff (Beggarstaff Brothers).
Ya en 1890 Nicholson empezó a hacer bojs y
a experimentar con la suma de tintes sutiles de verde y ocre a sus
composiciones negras y blancas. Nicholson se conoció pronto por su habilidad e
innovación en el medio, elevando la forma de arte a un nivel alto de éxito,
ambos estéticamente y comercialmente. En 1897, el artista produjo su retrato:
Reina Victoria, el cual es una de las impresiones británicas más famosas.
Otro precursor del diseño fue Peter
Behrens, quien originalmente fue entrenado como pintor, su estilo provisional
estimuló una nueva abstracción geométrica en su trabajo.
De 1907 a 1914 Behrens trabajó como un
consejero artístico al AEG en Berlín donde creó la primera imagen corporativa
del mundo. Behrens es considerado una figura importante en la transición al
Clasicismo Industrial, y jugó un papel central en la evolución de Modernismo
alemán.
12. INFLUENCIA DEL ESTILO VANGUARDISTA ART
POP
El Art Pop o Arte Popular, es un producto
típicamente norteamericano (aunque también se desarrolló en 1950 en
Inglaterra), que aspiraba a ser un arte testimonial del tiempo que se vivía.
Se caracteriza por inspirarse en la vida de
la ciudad, tomando como elementos de expresión los productos masivos de la
cultura, es figurativa y emplea objetos de uso diario de la sociedad
consumista: botellas de coca cola, latas de cerveza, neveras, autos, comics,
personajes del cine y la canción, etc.
Utiliza procedimientos dadaístas (ready
mades), hiperrealistas (fidelidad fotográfica) y cubistas (collages). Predomina
el colorido brillante, con tintes fluorescentes y acrílicos de colores vivos.
Dentro de este arte se destacan artistas
como Jasper Johns, Andy Warhol, C. Oldenburg, George Seagal, Peter Blake y Roy
Lichtenstein.
13. EL DISEÑO GRÁFICO EN LATINOAMÉRICA
Colombia es uno de los países con mayor
tradición histórica en el campo de las artes gráficas, la obra impresa más
antigua del país data del siglo XVII. La figura colombiana más relevante es
David Consuegra (1939), quien fundó un grupo en la Universidad de Bogotá
brindando su experiencia y talento. Otros representantes del diseño en Colombia
son Marta Granados, Antonio Grass y Dicken Castro.
En Perú el verdadero pionero del diseño
gráfico peruano moderno es Claude Dieterich (1930), quien después de trabajar
en Paris en diversas agencias de publicidad y en el diseño de revistas, se
establece en Lima implementando las influencias europeas en el diseño gráfico
contemporáneo de América Latina.
El primer periódico editado en Venezuela en
1808, marca los orígenes de la imprenta en este país, y la iniciativa de
mejorar el diseño de los sellos de la Administración de Correos se debió a un
grupo de diseñadores y artistas venezolanos en la que mejoró notablemente la
calidad del diseño venezolano.
Cabe destacar a Gerd Leufert quien se
estableció en Caracas y fue autor de 26 sellos para la Administración de
Correos y es calificado como el padre del diseño gráfico venezolano. Y M.F.
Nedo es el segundo pionero moderno del diseño venezolano quien inició su larga
e intensa colaboración con Gerd Leufert en la agencia de publicidad McCann
Erickson.
En México se establece la tipografía en
1539, fray Juan de Zumarraga es el autor del primer libro impreso en América,
casi doscientos años antes de la famosa Biblia de Gutemberg de América Latina
impresa en Argentina. Durante el siglo XVIII se ocuparon básicamente de
reproducir imaginería religiosa, poco después en 1830, la litografía se ocupó
también de esos menesteres añadiendo sátiras de costumbres y caricaturas
políticas en periódicos similares a los europeos.
"…la obra del insigne xilógrafo José
Guadalupe Posada, por ejemplo, hay que enmarcarla en la historia del diseño
gráfico. Por varias razones…José Guadalupe Posada, solo, fue capaz de hacer una
producción casi tan abundante y variada como lo fue la francesa…"
Otros artistas gráficos de gran relevancia
además de José Guadalupe Posada, fueron: Trinidad Pedroza, Orozco, Diego Rivera,
Leopoldo Mendez, Julio Ruelas, Miguel Cobarrubias, entre otros.
En Cuba se disponía de una larga tradición
en diseño gráfico aplicado al consumo, probablemente la más antigua de
Latinoamérica, antes de mediar el siglo XIX disponía de talleres litográficos y
de una practica aceptable en el procedimiento inventado en Alemania, acercando
por primera vez a un país sudamericano a uno de los paises más desarrollados de
la vieja Europa.
Indudablemente la historia del diseño
cubano en litografía la escribió Francisco Murtra, la de la tipografía José
Mora y la del cartelismo (y por extensión, de todo el diseño gráfico) Felix
Beltrán.
En Argentina prevalece una fuerte
influencia francesa, los mejores cartelistas argentinos de la historia son
Arnaldi y Valerian Guillard. En los años sesenta este país era la primera
potencia de América Latina en la edición de libros y otros materiales de
lectura como por ejemplo, los diarios. Sin embargo, la ilustración es la
especialidad en la que los argentinos han tenido mayor proyección, destacándose
Castagnino, Sabat, Quino, Mordillo y Tomás Maldonado.
La tipografía llega tarde a Brasil, a pesar
de esto el establecimiento de las sucursales de las grandes agencias de
publicidad americanas, que coincide con el primer gran desarrollo industrial y
mercantil del Brasil, permite la introducción de las más modernas formas de
producción industrial, con lo que los brasileros aprenden a diseñar anuncios
publicitarios en 1940.
El origen del diseño gráfico brasilero
puede determinarse por medio de los pioneros Aloisio Sergio Magalhaes y
Alexandre Wollner. En 1962 se inauguró en Río de Janeiro la primera Escuela
Superior de diseño Industrial, la cual ha contado con profesores de altísimo
nivel como Gui Bonsieppe.
14. ÚLTIMAS TENDENCIAS: EL DISEÑO
COMPUTARIZADO
Los avances tecnológicos y computarizados
dieron paso a una gran evolución del diseño gráfico, facilitando herramientas
para la creación de diseños innovadores y de gran originalidad. Al respecto,
cabe destacar el uso de programas como Photoshop, Corel Draw, Phox-pro, Free
Hand, Adobe Ilustrator, Macromedia Flash, Page Maker, entre otros.
Los programas como Corel Draw y Free Hand
son los mejores programas gráficos de nuestra época, ya que han sabido capturar
la imaginación del artista, ofreciendo desde un principio la posibilidad de
hacerla realidad. Además, han solucionado con la evolución de sus programas,
ciertas áreas problemáticas y al mismo tiempo han incorporado nuevas
herramientas, entre las mejoras destaca el perfeccionado modulo de impresión,
el cual nos permite hacer uso de una práctica mini-previsualización de la
impresión.
En Corel Draw los clásicos efectos como las
Mezclas o los Contornos han encontrado su lugar en un nuevo Menú de
Herramientas Interactivo. Este menú es un nuevo residente de la Caja de
Herramientas y nos da acceso a todas las herramientas interactivas. Estos
cambios, nos obligan ha usar el programa de una manera más productiva y
eficiente.
En otro orden de ideas, los programas como Photoshop
permiten con sus múltiples herramientas crear y diseñar a base de un material
fotográfico, variedad de efectos especiales, con los que podemos lograr
maravillosos fotomontajes, dibujos, efectos de luces, texturas etc.
Durante el siglo XX, los medios de
comunicación aportaron con su desarrollo tecnológico un mayor control del
proceso gráfico a los diseñadores, ya que en los años 90 las nuevas formas de
comunicación de la era digital presentaron nuevos desafíos, como es el caso del
sistema de distribución de información World Wide Web (W.W.W.), contribuyendo a
una rápida evolución del diseño gráfico a nivel mundial.
Las páginas web son documentos electrónicos
con enlaces de hipertexto o hipermedia que posibilitan la navegación virtual
por las informaciones disponibles en Internet. Hasta 1993 la labor de crear
páginas web estuvo reservada a los técnicos en informática que sabían manejar
las etiquetas códigos HTML (Hipertext Markup Languaje / Lenguaje de Marcas de
Hipertexto), necesarios para la composición de los elementos de presentación
visual, y por este motivo las páginas presentaban fondo gris, texto y alguna
decoración.
Con la incorporación de nuevas tecnologías
y la llegada de los primeros editores HTML, la web posee ahora mucho más
colorido en sus fondos y también diferentes texturas, botones, barras y una
infinidad de iconos. La W.W.W. es un nuevo y complejo campo para el diseño
gráfico, que permite múltiples posibilidades de añadir imágenes móviles en
animación o en video, fotos, gráficos y textos en un ambiente interactivo.
Dreamweaver y Front page son reconocidos programas para la realización de
páginas web.
15. BIBLIOGRAFÍA
SANTUE, Enric. "El Diseño Gráfico
desde sus orígenes hasta nuestros días."
LUPTON, Ellen y ABBOTT M., J. "El ABC
de la Bauhaus y la Teoría del Diseño."
www.Google.com
Enciclopedia SALVAT. Tomos 8 y 12. Salvat
Editores. Barcelona. 1978.
Leer más:
http://www.monografias.com/trabajos13/hisdisgr/hisdisgr.shtml#ixzz2yJsWB8y3
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